Este taller intensivo propone un acercamiento práctico y teórico al lenguaje cinematográfico, pensado tanto para quienes comienzan como para profesionales que buscan consolidar su estilo visual. Se trabajan conceptos clave desde el guion y el storyboard hasta la postproducción, poniendo atención en cómo decisiones técnicas de cámara, lentes y lighting influyen en la narración. Los ejercicios combinan prácticas de set, revisión colectiva y montaje para comprender el flujo completo de producción y edición en proyectos cortos.

¿Cómo se conecta filmmaking con el storytelling?

En el curso se aborda filmmaking como el conjunto de decisiones que transforman una idea en imágenes con sentido. El énfasis está en la narrativa visual: cómo un plano comunica emoción, cómo la secuencia de planos construye ritmo y cómo la dirección de fotografía apoya al guion. Se estudian ejemplos de diferentes géneros para extraer recursos de composición, movimiento de cámara y montaje que refuercen el arco dramático sin sustituir al texto.

¿Qué aspectos prácticos de camera y lenses se enseñan?

Las sesiones prácticas incluyen manejo de cámara, registro de exposición y elección de lentes para definir perspectiva y profundidad de campo. Se trabaja con diferentes monturas y distancias focales para observar cambios en el foco y la percepción espacial. Además, se practican técnicas de enfoque manual, encuadre y movimiento, y se analizan las implicaciones estéticas y narrativas de cada elección técnica sobre la puesta en escena.

¿Cómo se aplica lighting y colorgrading para una estética coherente?

El lighting se presenta como herramienta narrativa: modelar rostros, separar planos y marcar atmósfera. Se enseñan esquemas básicos de iluminación para interiores y exteriores, así como el uso de modificadores y reflectores. En colorgrading se explican principios para conservar intención dramática y consistencia visual, ajustando tonos, contraste y temperatura para reforzar emociones sin perder información en sombras o altas luces.

¿Qué rol tienen composition y focus en la construcción de planos?

La composición organiza la lectura del espectador: líneas, pesos visuales y relaciones entre personajes. Se practica la regla de los tercios, el uso de espacios negativos y la colocación en el encuadre para subrayar conflictos o alianzas. El control del focus se emplea para dirigir la atención dentro del plano y para generar transiciones perceptivas entre sujetos y objetos relevantes, integrando además recursos como rack focus cuando la narración lo requiere.

¿Cómo se integran storyboard, directing y production en ejercicios?

El taller fomenta la planificación: desde el storyboard hasta la puesta en escena con actores y equipo técnico. Se recrean pequeñas producciones donde cada participante asume roles alternos de director, director de fotografía y operador. Esto permite practicar la comunicación entre departamentos, la gestión del tiempo en set y la toma de decisiones rápidas sobre encuadres, continuidad y sonido. La experiencia facilita comprender la logística de producción y la relación entre idea y ejecución.

¿Qué incluye la práctica sobre editing y el enfoque final de la imagen?

La postproducción se aborda como parte esencial del lenguaje: el montaje define ritmo y puede alterar la interpretación de la imagen. Se analizan cortes, transiciones y el uso del colorgrading para unificar secuencias. También se trabaja la entrega de material técnico correctamente etiquetado y sincronizado para facilitar el trabajo del editor. El foco narrativo durante la edición se mantiene en potenciar la intención dramática, respetando la continuidad y la coherencia estilística de la dirección de fotografía.

En conjunto, el taller intensivo ofrece herramientas técnicas y reflexivas para mejorar la toma de decisiones visuales en proyectos audiovisuales. Al combinar práctica en set, análisis de referentes y ejercicios de postproducción, los asistentes desarrollan criterio y habilidades aplicables a trabajos de ficción, documental y producción independiente.